L'art aimable du XVIIIe siècle européen
Le Rococo est un mouvement artistique majeur qui s'épanouit entre 1700 et 1780, principalement en France puis dans toutes les cours européennes. Il succède au classicisme solennel du règne de Louis XIV pour proposer une esthétique radicalement opposée : légèreté, grâce, intimité, galanterie. Là où le Grand Siècle privilégiait la grandeur monarchique et les sujets héroïques, le Rococo se tourne vers les plaisirs privés, les fêtes mondaines, l'érotisme tempéré et la sensibilité.
Le terme « rococo », inventé tardivement (vers 1797) par les néoclassiques pour disqualifier l'art du XVIIIe siècle, dérive de « rocaille » — ces décorations en coquillages et faux rochers caractéristiques des grottes ornementales. À l'origine péjoratif, le mot s'est imposé comme désignation esthétique neutre dès le XIXe siècle.
Naissance française : la Régence et la fête galante
Après la mort de Louis XIV en 1715, la Régence de Philippe d'Orléans inaugure une nouvelle culture aristocratique. La cour quitte Versailles pour Paris, les hôtels particuliers deviennent les centres de la vie mondaine, le salon — espace privé où se mêlent hommes et femmes, écrivains et artistes — remplace la galerie d'apparat.
C'est dans ce contexte qu'Antoine Watteau (1684-1721) invente la fête galante, genre nouveau accepté à l'Académie en 1717 avec son chef-d'œuvre Le Pèlerinage à Cythère. La fête galante, c'est un jardin imaginaire où des couples élégants en costumes de théâtre conversent, jouent de la musique, s'attardent dans la mélancolie d'une promenade — une rêverie sur les commencements et la fin de l'amour, traversée par une nostalgie sourde. Watteau, mort tuberculeux à 36 ans, laisse une œuvre brève mais matricielle.
L'apogée Louis XV : Boucher et Fragonard
Sous Louis XV et le ministère favori de Madame de Pompadour (maîtresse royale et grande mécène), le Rococo atteint son apogée. François Boucher (1703-1770), peintre attitré de la Pompadour, est l'incarnation du goût rocaille : pastorales tendres, mythologies légères (Diane sortant du bain, 1742), portraits voluptueux, scènes érotiques. Sa palette — roses délicats, bleus tendres, blancs nacrés — fixe le coloris caractéristique du mouvement.
Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), élève de Boucher, prolonge et radicalise cette veine : Les Hasards heureux de l'escarpolette (1767), Le Verrou (vers 1777), la série des Progrès de l'amour (1771-1773) sont des chefs-d'œuvre de virtuosité technique et de sensualité narrative. Fragonard est probablement le plus libre, le plus expressif des peintres rococos — sa touche rapide, presque esquissée, annonce déjà l'impressionnisme.
Diversité française : Chardin et la voie bourgeoise
À côté de la veine aristocratique, Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) développe une voie bourgeoise opposée : natures mortes humbles (La Raie, 1728), scènes domestiques (Le Bénédicité, 1740) d'une simplicité contemplative qui dialogue avec la peinture flamande et hollandaise. Loin du brillant rococo, Chardin pose les bases d'un autre XVIIIe siècle, plus moral, qui annoncera Greuze et la sensibilité préromantique.
Maurice Quentin de La Tour (1704-1788) et Jean-Étienne Liotard explorent quant à eux le portrait au pastel, technique idéalement adaptée à la sensibilité rococo : douceur des chairs, étincelle des regards, intimité psychologique.
Diffusion européenne
Le Rococo essaime rapidement en Europe. À Venise, Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), peintre de fresques décoratives géantes, en devient le maître international — ses plafonds (Würzburg, Madrid) sont des sommets de virtuosité. Pietro Longhi peint la vie patricienne vénitienne. Francesco Guardi et Canaletto développent la veduta (vue de ville), pour partie rococo par sa palette argentée.
En Allemagne et en Autriche, le Rococo s'épanouit dans la décoration des églises baroques tardives (Wieskirche, Vierzehnheiligen) et dans les portraits de cour. En Angleterre, il se métisse avec la veine satirique propre (William Hogarth) et le portrait de société (Reynolds, Gainsborough). En Espagne, Goya débute dans une veine rococo avant de la dépasser radicalement.
Le déclin et la critique néoclassique
À partir des années 1760-1770, le Rococo subit une critique morale violente. Diderot, dans ses Salons, dénonce la « frivolité » de Boucher et appelle à un art moral au service de la vertu civique. Cette critique, alimentée par la redécouverte d'Herculanum et de Pompéi (1738-1748), fonde le néoclassicisme qui prend la suite. Avec David et la Révolution française, l'art rococo est explicitement assimilé à la décadence aristocratique et symboliquement guillotiné.
Pourquoi cette période compte
Le Rococo est l'expression picturale d'une société aristocratique parvenue au sommet de son raffinement, à la veille de sa disparition. Il invente plusieurs genres durables (la fête galante, le portrait au pastel, la vue urbaine), porte la virtuosité technique de la peinture à l'huile à un sommet inégalé, et incarne un art de vivre dont l'héritage continue d'inspirer la mode, la décoration et le cinéma. Voir le Baroque qui le précède et le Néoclassicisme qui prendra sa suite.
